Música Centroamericana

Música del Caribe:
Introducción:
La música caribeña, nace en distintas zonas, principalmente entre el mestizaje, uniendo ritmos africanos, europeos y nativos. Este estilo de música, son agrupaciones de cantos y danzas de América Central, del Caribe y regiones costeras de Venezuela y Colombia. Los ritmos caribeños, son pilares de los ritmos latinos. Los caracterizan los instrumentos de percusión y de viento.
CALYPSO

Calipso es un ritmo afrocaribeño originario de Trinidad y Tobago, muy popular en las islas del Caribe. Es tanto anglófono como francófono. También es popular en Costa Rica, Honduras, Panamá, México, Perú, Ecuador, Jamaica, en el Archipiélago de San Andrés y Providencia en Colombia y al sur (principalmente) de Venezuela y en el norte de Brasil, principalmente en el estado de Pará.

Usa como instrumento principal unos tambores metálicos, fabricados a partir de barriles de petróleo reciclados, llamados steeldrums o simplemente tambores metálicos de Trinidad, muy usado en los carnavales trinitarios, los cuales se crearon por la necesidad de percutir que tenían los descendientes de los africanos en estas islas, y dado que no poseían ningún instrumento, empezaron a percutir los barriles, los cuales se fueron abollando y luego estableciéndose alturas definidas, lo que harían que en el futuro el instrumento se pudiera templar con una escala cromática. También en Venezuela se les llama bum-bac.

Los calypsonians más importantes del siglo XX son Lord Kitchener, Roaring Lion, Lord Invader, Mighty Sparrow (en Trinidad y Tobago) y Walter Ferguson (en Costa Rica).
Entre los cantantes en español de este ritmo, destacan
Agrupaciones:
• Yuruari´s Calipso. (Venezuela)
• Nueva Generación.(Venezuela)
• The Same People (Venezuela).
• Cantoamérica (Costa Rica).
• Serenata Guayanesa (Venezuela).
• Nueva Onda.(Venezuela)
• Family Ground.(Venezuela)
• Con Venezuela (Venezuela).
• Maleiwa (Venezuela).
• Son Calipso.
• Renovación del calipso. (Venezuela)
y muchos otros más...
Solistas:
• Carlos Baute (Venezuela).
• Manuel Monestel.
• Harry Belafonte (Estados Unidos).

Uno de los calipsos más conocidos es Rum and Coca Cola, compuesto por Lord Invader y Lionel Belasco.

El Carnaval de Trinidad y Tobago es una de las más importantes festividades de ese país en el ciclo anual de su cultura. Apenas se está llevando a cabo un carnaval en Trinidad y Tobago, cuando sus participantes ya están pensando en el del año siguiente. El corazón de la festividad es la música, y es especialmente importante el calypso.

Aunque la mayor parte de los trinitarios hablan inglés y fue el Reino Unido el último país que dominó las islas, en realidad, el carnaval fue introducido en Trinidad y Tobago por los franceses, que mantuvieron el control de la isla hasta el siglo XVIII. El carnaval trinitario, y en especial, el calypso, arraigaron entre la población de ascendencia africana como una válvula de escape ante la opresión colonial, la esclavitud y la represión de los religiosos anglicanos que reprobaban la celebración de la festividad. Por ello, los primeros antecedentes de la actual música carnavalesca de Trinidad y Tobago —aparecidas a finales del siglo XIX— eran cantos compuestos en créole, francés caribeño, y la temática principal era la sátira de la sociedad trinitaria. En los últimos años, el soca ha reemplazado al calypso como la principal música del carnaval trinitario.

Como se ha dicho, el carnaval de Trinidad y Tobago tiene su origen en la época del dominio francés sobre las islas. Contra lo que podría parecer, es probable que las raíces del carnaval tengan como antecedente las costumbres aristocráticas de los colonos franceses.

La forma que actualmente tiene se debe a la fusión de esas costumbres europeas con las de los esclavos africanos que llegaron a las plantaciones de Trinidad y Tobago.

Al igual que otros carnavales alrededor del mundo, el de Trinidad y Tobago se verifica en la última semana antes del Miércoles de Ceniza, que marca el inicio de la temporada de Cuaresma en el calendario católico. Durante el tiempo del carnaval, se efectúan competiciones musicales que cuentan con gran participación. Una de ellas es la elección del Rey del Calypso (en inglés: Calypso Monarch), título considerado como uno de los grandes honores para los trinitarios. Los principales instrumentos musicales que acompañan los carnavales de Trinidad y Tobago son los tambores, los steelpan y las claves. Hasta antes de la época dorada del calypso (entre los años 1930 y 1960), también eran comunes el cuatro venezolano, la trompeta, el clarinete y las maracas. Los intérpretes de la música carnavalesca trinitaria practican por espacio de semanas con el propósito de llevarse las palmas durante las competiciones contra otros grupos.

Muchos participantes portan elaboradas indumentarias para participar en el desfile del carnaval. Los vestuarios son decorados con lentejuelas y otros primores de fantasía. A pesar de la variedad de vestimentas, existen algunas caracterizaciones que siempre aparecen en el Carnaval de Trinidad y Tobago.

Conclusión:
El ritmo calypso, tiene un importante contenido inglés, francés y africano. Estas culturas, a lo largo de la historia de las conquistas y dominaciones se fueron fusionando; en base a las necesidades de los nuevos pueblos y las nuevas culturas que se estaban originando.
A nuestro criterio, este ritmo, como muchos otros de los que veremos, se fue formando naturalmente, pero además con una fuerte intención de conservar y transmitir sensaciones de aquél período histórico, sentimientos y tradiciones que caracterizaban a cada pueblo que se estaban uniendo.

MERENGUE
Reseña

Tiene origen en la música africana, música folclórica española y taino, durante la mitad del siglo XIX en República Dominicana. Tiene su popularidad desde los años 30 y fue pasando a lo largo del tiempo a Venezuela, Puerto Rico, Miami y Colombia.

En sus orígenes, el merengue era interpretado con guitarras. Años más tarde, las guitarras fueron sustituidas por el acordeón conformándose, junto con la güira y la tambora, la estructura instrumental del conjunto de merengue típico. Este conjunto, con sus tres instrumentos, representa la síntesis de las tres culturas que conformaron la idiosincrasia de la cultura dominicana. La influencia europea viene a estar representada por el acordeón, la africana por la tambora (tambor de dos parches), y la taína o aborigen por la güira.

Aunque en algunas zonas de la República Dominicana, en especial en el Cibao y en la Linea Noroeste, hay todavía conjuntos típicos con características similares aquellos pioneros, este ritmo fue evolucionando durante todo el siglo veinte. Primero, con la introducción de nuevos instrumentos como el saxofón y más tarde con la aparición de orquestas con complejas secciones de vientos. Este ritmo ha tenido actores notables como Luis Alberti, Johnny Ventura, Félix del Rosario, Wilfrido Vargas, Olga Tañón, y Juan Luis Guerra.

Todo sobre el Merengue

La isla que comprende los países de Haití y la República Dominicana ha producido grandes sonidos a través de los siglos. Dentro del ambiente de la música bailable afrocaribeña, el género dominicano del merengue ha jugado un papel muy importante. Como la contradanza y el danzón cubano, el merengue emergió en la zona de Santiago de los Caballeros, en la región conocida como Cibao, como descendiente de una mezcla entre ritmos de África negra y de la "contradanse" europea durante la mitad del siglo diecinueve y siguió absorbiendo más elementos africanos y criollos. Como baile, el merengue es mucho más sencillo que sus primos cubanos, consistiendo en una danza de dos pasos. Su historia está repleta de esfuerzos y penas sociales y políticas, un tema mejor reservado para mayor investigación, pero su desarrollo como género popular es crucial a la evolución de la música afrocaribeña.

El merengue tiene elementos de la contradanza, la mazurca y el vals europeo, cuya influencia se extendió por Haití, Venezuela y las Antillas, donde se acompañaba con instrumentos típicos como el tiple, la bordona, el cuatro, el seis y el doce, más tarde, con la tambora, el güiro, la bandurria y el acordeón. Según algunos, nació como una melodía criolla tras la batalla de Talanquera donde triunfaron los dominicanos.

El merengue procede de una de las partes de una melodía llamada UPA Habanera con origen en África Occidental, que pasó a Puerto Rico y Venezuela, de donde llegó a Santo Domingo a mediados del siglo XIX, entre 1838 y 1849. Este baile tenía un movimiento llamado merengue que le dio el nombre al baile actual. En 1844 el merengue aún no era popular, pero en 1850 ya se puso de moda y fue bien acogido entre los dominicanos. En la década de 1850 se desencadenó una campaña en contra del merengue, que ya se había ido difundiendo entre las masas populares pero que era rechazado por la clase alta por su vinculación con la música africana y por sus letras picarescas y vulgares.

El merengue era una danza festiva, para divertirse, por lo que se extendió rápidamente entre las fiestas del pueblo, por lo que el rechazo inicial fue vencido. En 1875 Ulises Espaillat inició otra campaña contra este baile que fracasó estrepitosamente, pues éste ya había cautivado a toda la región de Cibao, considerada hoy cuna del merengue. A principios del siglo XX, músicos cultos y muy populares como Juan Espínola y Julio Alberto Hernández apoyaron la difusión del merengue en los salones de baile.

Su éxito no fue inmediato ya que a pesar de que establecieron la forma musical del merengue, no pudieron conseguir que el merengue penetrara en la alta sociedad y se considerara como una creación del pueblo dominicano. Pero a partir de 1930, el merengue logró difundirse en zonas donde antes era desconocido, en parte gracias al reciente uso de la radio y al gusto del dictador Rafael Leonidas Trujillo por esa forma de baile . A pesar de esto, la alta sociedad dominicana siguió sin aceptarlo hasta que una familia de buena posición solicitó al músico Luis Alberti que compusiera un merengue de letra decente para amenizar una de sus fiestas. A partir de entonces, se diseminó muy rápidamente por todo el país.

Como fueron músicos cultos los que fijaron la forma musical del nuevo merengue, los músicos populares trataron de imitar y seguir este modelo mientras que el hombre de campo continuó tocando el merengue en su forma original. Esto dio origen a dos formas de merengue: el merengue folclórico o tipico, que aún se encuentra en los campos, y el merengue de salón, propio de los centros urbanos. De esta manera, desplazó a algunos otros bailes típicos como la tumba, que requería gran esfuerzo físico y mental, mientras que la coreografía del merengue, en la que el hombre y la mujer no se sueltan nunca era bastante simple, aunque poco a poco fueron desarrollándose diversas figuras para este baile de salón.

Se toca en tiempo moderado, compás rápido y ritmo binario, alternando estrofas y estribillos y su estructura estaba compuesta por el paseo, que ha sido suprimido, el merengue, que se ha alargado, y el jaleo, modificado. En torno a la rítmica del merengue se ha generado una extensa y aún viva polémica, ya que coexisten dos formas de ejecución. Determinados músicos prefieren ejecutarlo en 2/4, mientras otros lo ejecutan en 4/4.

El Perico Ripiao (también conocido como el merengue típico) fue la primera forma de merengue y su origen es en los campos del cibao. El Perico Ripiao se toca con guira, tambora y acordeón. Los cantos del perico ripiao son diferentes al merengue de orquesta o de banda. Los cantos son en forma de décimas y son versos simples con frases poéticas. El perico ripiao tiene ritmo rápido y es mucho más popular en el cibao (en los campos cibaenos) que en la capital de la república.
Para el año 1980, el merengue empieza el periodo llamado la época de oro, caracterizado por la aparición de nuevas agrupaciones, sonidos y caracter. Algunos de los artistas más destacados son Wilfrido Vargas, Johnny Ventura, Sergio Vargas, Los Hermanos Rosario, Olga Tañon,Los Melódicos, Conjunto Quisqueya, Fernando Villalona,Eddy Herrera ,Milly Quezada, Hector Acosta (El Torito ), Ruby Pérez, Rikarena, Jochy Hernández, Jossie Esteban y la Patrulla 15, Las chicas del Can, Liz y su Banda Show,y por supuesto el popularísimo Juan Luis Guerra entre otros. Estos llamaron la atención gracias a sus melodiosas canciones y ritmos.

Conclusión:
Al igual que el ritmo anterior, vemos que surge de un contexto socio-cultural complejo. Pero a pesar de todo esto, el merengue es un ritmo que alegra, aleja las penas. Es una de las necesidades por las que nosotras creemos que se creó. Como medio, inicialmente de alejarse de todas las complicaciones diarias, dándose así, un tiempo de descanso; en donde solo importara divertirse, distraerse y relajarse.
RUMBA

La rumba es tanto una familia de ritmos musicales como un estilo de danza traído desde África a través de la trata de esclavos hacia Cuba.
Hay tres variantes principales del complejo de la danza denominada rumba cubana:
el Guaguancó, (La Habana)
la Columbia, (Matanzas)
el yambú. (Matanzas)

La instrumentación para la rumba incluye tres tumbadoras (la tumbadora es un tambor inventado en Cuba que, a diferencia de los africanos, tiene llaves; se puede afinar, y escribir partituras. Hoy es universal) y dos palillos que repiquetean sobre una caja de madera. Dos de los tambores, (la tumbadora prima y el segundo o tres), marcan el ritmo básico; la tercera tumbadora llamada "quinto", (que se afina más alto), da los golpes improvisados, los floreos dirigidos a los bailarines.

El guaguancó
De las tres variantes el guaguancó es la más elaborada, tanto musical como en lo referente a los textos. El guaguancó es danza típica de los barrios negros de la ciudad de La Habana. Las otras dos variantes (yambú y columbia) son rurales y de la provincia de Matanzas. Su canto se hace enteramente en español en vez de usar expresiones africanas o vocabulario del argot de los barrios bajos. En el sentido de los textos el guaguancó está muy relacionado con el "punto cubano", forma que tomó en Cuba la improvisación canaria y andaluza. El tempo del guaguancó es levemente más lento que el de la columbia y más rápido que el yambú. El guaguancó tiene también alguna relación musical con el "cante hondo". En su forma primitiva el guaguancó estaba formado por tres secciones:

La primera parte era la "diana": Un fragmento melódico en el cual el cantante, con mucho aplomo, improvisaba algunos "tralalala lalá", sin ningún significado textual, sino con el objetivo de tararear la melodía que desarrollaría durante el canto. Es que, como el grupo de guaguancó carece de instrumental melódico, es la voz humana la encargada de toda la melodía.

Después, el cantante introducía el tema de la canción, el texto. El texto del guaguancó trata acontecimientos diarios referidos o a las personas específicas o a las cosas. Los versos podían ser décimas (estrofa octosílaba de diez versos también llamada "espinela". Son versos pareados), o incluso prosa. La temática de los guaguancós es frecuentemente luctuosa o, al menos, melancólica.

En la tercera sección todos los miembros del conjunto entran en un frenesí rítmico mientras se repite un estribillo. Es de una alegría desbordante que sirve de contrapeso a la tristeza del tema, es una relativización de la desgracia que marca la alegría de la vida. El negro es esclavo y se ríe. En esta sección, como en todos los formatos de llamada y de respuesta, el coro repite un patrón, estribillo o sistema de frases, mientras que el cantante improvisa.

En épocas recientes, la parte vocal del Guaguancó ha eclipsado el componente bailable. Fuera de Cuba (en Nueva York, Nueva Jersey y Miami), las versiones modernas de guaguancó bailable, no tienen ninguna semejanza a la original. Ahora es bailada por los parejas múltiples o "ruedas" que están libres para hacer una variedad de pasillos al son del ritmo. La amalgama del guaguancó con su hija, la guaracha, y otros géneros es de tal magnitud, que uno no puede reconocerse apenas a un guaguancó.

Conclusión:
Ese ritmo es uno de los más puros. Es decir es uno de los que está menos fusionado, o al menos, así fue en sus comienzos.

CHACHACHA
El chachachá es un género

musical originario de Cuba creado a partir del Danzón por el compositor y violinista habanero Enrique Jorrín en 1953.

Los danzones eran interpretados tan solo por instrumentos, mientras que Jorrín le introdujo las voces de los músicos cantando a coro para darle más potencia. Este estilo gustó a los que bailaban, que ahora podían improvisar más e inventaron nuevas figuras. Durante sus primeros años como compositor, Jorrín sólo componía danzones, respetando sus cánones musicales, pero poco a poco fue modificando algunas de sus partes. Estos fragmentos modificados gustaron tanto al público que decidió independizarlos del danzón hasta llegar a lo que él llamó cha-cha-cha.

La instrumentación del chachachá originalmente fue tomada del danzón, que en Cuba se toca con una agrupación musical llamada charanga francesa. Ésta consistía en la percusión, el piano, el Bajo, la flauta y una sección de cuerdas. El auge del chachachá promovió este tipo de agrupación, que ya estaba perdiendo adeptos. Los grupos más importantes que lo interpretaron fueron la Orquesta Aragón, la Orquesta América, Los Cariñosos y la Orquesta de Enrique Jorrín.

En estos momentos la formación tradicional de la charanga es la que predomina entre las orquestas populares cubanas. En Nueva York, Gilberto Valdez forma la primera Charanga de los EE.UU. que serviría de influencia fundamental para las posteriores formaciones; pero en la década de 1970 comenzó a decaer.

Conclusión:
Este es otro de los ritmos “más puros”. Pero a diferencia de los anteriores ritmos, fue fusionado por una persona. Y le dio también más libertad en cuanto a los pasos de baile a los bailarines. Este ritmo, más que por tradición, se extendió por gusto popular.
ZOUK

El zouk es un estilo de música rítmica originado en las Antillas francesas, especialmente en las islas de Guadalupe y Martinica. Tiene sus raíces en la kompa haitiana y la palabra zouk significa "fiesta" o "festival" en creole. El zouk es muy popular en países como Cabo Verde, incluyendo sus propios estilos de zouk,. En Europa es muy popular en Francia, así como en Norteamérica y Canadá, en especial en la provincia de Quebec.
Surgido en los años 1980, en las islas de Martinica y Guadalupe, fue popularizo principalmente por el grupo Kassav', extendiéndose posteriormente a la Guayana Francesa, norte de Brasil (donde dio origen a la conocida Lambada), y otras islas del Caribe Oriental.

El termino zouk viene posiblemente de mazouk, la Mazurca creole.

Pero por otro lado en los años 1960 a las fiestas sorpresa o espontáneas se les denominaba en Martinica con el término "zouk". Así pues el verbo "zouker" quería decir irse de fiesta, a bailar.
El zouk se baila en pareja "agarrado", el hombre sujeta a la mujer por la cintura mientras la mujer entrelaza sus brazos alrededor del cuello de su compañero.

La música es fraseada en grupos de dos compases de tres tiempos cada uno, siendo el primer tiempo más largo que los dos siguientes.

Sus principales exponentes son:
Kassav'
Suzanna Lubrano
Eric Virgal
Patrick Andrey
Slaï

Conclusión:
Este es un ritmo que se puede ver claramente como una tradición. Traído de una cultura totalmente distinta a las que se habían estado viendo en las Américas. De esta derivan otros ritmos.

Para terminar:
Analizando estos ejemplos de música caribeña, podemos concluir que, como dijimos a principio del año, la música es un arte que pretende expresar sentimientos, emociones, conservar tradiciones, transmitir pensamientos de lo que cada sociedad y cultura vive. Los estilos de música van cambiando a medida que lo hace la gente y el mundo que la rodea.
Aclaraciones:

Anglófono: que tiene demasiada afición a lo inglés.
Francófono: que tiene el francés como lengua usual de expresión

SALSA

Todo empezó en Venezuela allá por los años sesenta, cuando un locutor de radio llamado Fidias Danilo Escalona anunciaba como «Salsa» cada disco de música tropical que pinchaba en su programa « El bigotón» de Radio Continente. EL origen de la palabra salsa no obstante, ha estado rodeado de cierta ambigüedad entre músicos que mantienen una larga carrera en esta forma de lenguaje universal latino. Unos dicen que proviene de Puerto Rico, otros establecen su procedencia en Nueva York. Esta incógnita no queda resuelta en el libro que sobre la salsa escribió César Miguel Roldán, quien anotó y documentó que fué F. D. Escalona, ya fallecido quien empezó a utilizar y acuño el término en su programa de radio.
La salsa siempre ha estado de moda, encantando con su magia, cultura y tradiciónes, invadiendo todos los rincones del universo, enamorando y mezclando sus raíces en un romántico idilio con otros pueblos en donde no existe el divorcio. Ahora bien, la palabra «Salsa» llegó a Nueva York y fué comercializada por Jerry Masucci, un italo-americano que no inventó la salsa pero que si la ha situado donde está hoy día. Viene a ser como su padrino, debido al apoyo que ha ofrecido a su comercialización y marketing, creando un sello discográfico llamado Fania Records, que por cierto tomó su nombre del primer elepé de ese gran flautista dominicano y director de las estrellas de Fania Johnny Pacheco, titulado «Cañonazo».
A los que no conocen la salsa les resulta difícil comprenderla; para los que la entienden se convierte en un don divino que provee de muchas formas rítmicamente musicales, ejecutando en clave de 3-2 o 2-3 (*). La clave es la base de la música latina, un acento para todas las frases rítmicas que mantiene a los instrumentos unidos.


Para el músico poco experimentado en ella, el problema de la música latina es el desconocimiento de la importancia de la clave. Se nota especialmente cuando muchos grupos tocan un coro «cruzado»; musicalmente puede estar bien, pero rítmicamente no. Quiero en pocas palabras resumir que la salsa es un compendio de la música tropical caribeña en donde predominan los ritmos afro cubanos como el son Montuno, la guaracha, el cha-cha-chá, el guaguancó, la charanga, etc.., pasando por el merengue dominicano, la bomba y la plena de Puerto Rico, el tamborito panameño, la cumbia colombiana, el joropo venezolano, etc.
Historia de la Salsa
Para buscar su orígen tenemos que remontarnos al SON, columna vertebral de toda la música latina moderna. El SON nace en el siglo XVI en Santiago de Cuba, moldeado por músicos negros que agregaron la sonoridad rítmica y clásica de la música africana. La percusión africana, la que llamamos afro-cubana, proloferó tanto que revolucionó los grupos y orquestas de la primera mitad del siglo actual, siendo Cuba el país que mas aportaciónes rítmicas ha incluido en el pentagrama musical mundial. El Trío Matamoros dio a conocer mundialmente el son con temas como «Son de la Loma», «La Mujer de Antonio», «Frutas del Caney» y otras. Otras fuentes que popularizaron el son en los años veinte fueron El Sexteto Habanero, Andrea Baró, Piñeiro. Y ya en los años 50, Benny Moré con el son montuno, variante del son, con un mayor reparto orquestal.
Algunos de los salseros más famosos de nuestros días:
Willie Colón
José Feliciano
Celia Cruz
Ray Barreto
Johnny Pacheco

Carnaval y Candombe

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carnaval

candombe

candombe- instrumentos

Música de América del sur: El Candombe

Candombe

El candombe es un género musical practicado principalmente en Montevideo. Originado a partir de influencias de ritmos africanos, fue desarrollándose en zona de Uruguay debido a la gran afluencia de negros esclavos durante la época colonial. Es esencial a la identidad afrouruguaya.


Historia

El candombe es mucho más que un género musical. Para sus practicantes es una forma de vivir, un estado de ánimo, una cultura. Si bien es original de la actual Angola, de donde fue llevado a Sudamérica durante los siglos XVII y XVIII por personas que habían sido vendidas como esclavos en los reinos de Kongo, Anziqua, Nyongo, Luango y otros, a tratantes de esclavos principalmente portugueses, adquirió su actual fisonomía en el Río de la Plata y zonas aledañas durante los siglos XIX y XX. Los mismos portadores culturales del candombe colonizaron Brasil (sobre todo en la zona de Salvador de Bahía) y Cuba, pero las distintas historias que siguieron estas dos regiones separaron el tronco común originario dando origen a diversos ritmos que hoy son muy distintos, aunque similares. Fue en las grandes barriadas negras de Montevideo donde esta música se desarrolló. En Buenos Aires, en los últimos años del siglo XVIII había 10.000 habitantes entre mestizos, guaraníes y españoles y 20.000 africanos Kongos, Luangos, Mandingos, Carabalís. El sonar de los tambores era permanente, según crónicas jesuitas, tanto que el Virrey prohibió el uso de tambor (pues actuaba como aglutinante cultural frente a la clase dominante).

Sin embargo fue en Montevideo, donde el candombe se convierte en lo que hoy es. La razón es simple. La mayoría de los negros se mezclaron en lo que hoy es la cultura global . Sus ritmos africanos (tango, milonga, malambo) y sus rasgos culturales (añoranza, gesticulación, permanente vivir en el presente, pensar que todo va a cambiar "mañana" y otros) se mezclaron con el fondo cultural común de estos países. Pero en los conventillos de Montevideo pervivieron grupos de familias extensas que se fortalecieron en torno al candombe, y en menor medida otros ritmos como el Afro y la Macumba, los que pasaron a ser mucho más que música. Así el candombe se convirtió en emblema, representativo de la negritud.

Inicialmente, su práctica corría exclusivamente por parte de los negros, quienes tenían destinados lugares especiales llamados tangós. Este vocablo origina en algún momento del siglo XIX la palabra tango, aunque todavía sin su significado actual.

Posteriormente surge La Comparsa (ritmo creado en el Uruguay), que es la agrupación que congrega a los personajes típicos del candombe como son La Mama Vieja, El Gramillero, El Escobero y un numeroso cuerpo de baile representado por bailarines de ambos sexos, vibrando con el ritmo generado por La cuerda de tambores. También se les llama popularmente tamboriles, aunque esto delata que quien la emplea no es conocedor del tema.

Actualidad

Hoy se asiste a un resurgimiento, junto a los portadores tradicionales que aún respetan la ley del tambor (los que nunca tocan la madera, los que callan cuando el mayor "rezonga"). Hoy se asiste a una fusión con otros ritmos (jazz, rock, beat, salsa, reagge, rap) y a una expansión. Esta última debido, sobre todo, a los movimientos migratorios. Los negros de Montevideo han vuelto a Buenos Aires, donde se vuelve a escuchar el tambor en San Telmo, en La Plata, y en general en las barriadas que rodean Buenos Aires; desde hace años, el Negro katunga, La hermandad Bonga, Los Hermanos Olivera del Abasto y tantos otros han reencendido la semilla del candombe en los negros argentinos. Y de Montevideo, aún más, buscándose la vida en los lugares más remotos los candomberos hacen escuchar el cuero en New York, Ibiza, Cuba, París, etc.

Si bien el candombe se toca todo el año, en febrero se realiza en dos barrios, Barrio Sur y Barrio Palermo de Montevideo el Desfile de llamadas, que involucra a decenas de comparsas. Cada una está formada por unos cincuenta percusionistas como mínimo, quienes se complementan con un cuerpo de bailarines y los diversos personajes propios del género. El candombe es un ritmo que se usa en Uruguay y, últimamente, en Argentina, como base para canciones de distintos estilos musicales. También ha sido adaptado a la murga con el ritmo Marcha Camión, otro de los géneros característicos del Uruguay.

Instrumentos

Actualmente se toca con tres tambores, uno grave "el piano", uno medio "el repique" y uno agudo "el chico".

Chico
El "chico" es el tambor que produce el sonido más agudo y tiene un patrón fijo: cada negra del compás de cuatro cuartos, se divide en cuatro partes:
"chico" de 2
Un silencio —de semicorchea.—
Un golpe fuerte, abierto, de mano izquierda,
Dos golpes de palo, el cual se sostiene con la derecha.
"Chico" de 3 o 4
Un golpe fuerte, abierto, de mano izquierda,
Tres golpes de palo, el último golpe es acentuado ( cae en la semicorchea número 1) el cual se sostiene con la derecha.

Repique
El "repique" es el que más improvisa y difícilmente se puede describir con lenguaje técnico su ritmo.

Piano
El "piano" es el que tiene el sonido más grave, y aunque suele improvisar bastante variando de acuerdo a una u otra zona de Montevideo, tiene como principal característica que si bien marca en algunos de sus golpes, la tierra o sea el pulso, en realidad acentúa y adelanta una semicorchea el segundo de los cuatro pulsos del compás.

Por lo general cada agrupación cuenta con un ritmo de piano propio que la identifica
Para señalar el ritmo de los tambores y redoblantes en el candombe, suele usarse la frase que es una onomatopeya: borocotó-borocotó-borocotó-chaschás.

Día Nacional del Candombe

El Día Nacional del Candombe, la Cultura Afrouruguaya y la Equidad Racial se celebra en Uruguay cada 3 de diciembre, a partir del año 2006.[1] La fecha recuerda el 3 de diciembre de 1978 cuando, de manera espontánea, los tambores del candombe en "llamada" sonaron por última vez en el célebre Conventillo del Medio Mundo (Montevideo), condenado a la demolición por la dictadura cívico-militar que gobernaba el país.

Según señala la exposición de la Ley 18059 que instituyó esta celebración, "lo sucedido aquel día fue un acto espontáneo con mucho de homenaje de despedida a una de las cunas inspiradoras del candombe, de compromiso con su legado, y también con mucho de rechazo y resistencia a una arbitrariedad cargada del racismo de quienes sostenían que los negros y sus tambores empobrecían la ciudad, y no podían vivir en el centro de Montevideo perjudicando su particular atractivo turístico e inmobiliario". Contó con el decisivo respaldo del legislador afrouruguayo Edgardo Ortuño.

Carnaval

Un carnaval es una celebración pública que tiene lugar inmediatamente antes de la cuaresma cristiana, con fecha variable (desde finales de enero hasta principios de marzo según el año), y que combina algunos elementos como disfraces, desfiles, y fiestas en la calle. Por extensión se llaman así algunas fiestas similares en cualquier época del año. A pesar de las grandes diferencias que su celebración presenta en el mundo, su característica común es la de ser un período de permisividad y cierto descontrol.

El carnaval está asociado principalmente con el catolicismo, y en menor medida con los cristianos ortodoxos orientales; las culturas protestantes usualmente no celebran el carnaval o tienen tradiciones modificadas, como el carnaval danés. La celebración del carnaval más grande del mundo es el Carnaval de Brasil y la más larga es el Carnaval de Uruguay, pero muchos otros países tienen importantes celebraciones, como la que se celebra en Italia, en el Carnaval de Venecia.

Etimología

Los etnólogos encuentran en el carnaval elementos supervivientes de antiguas fiestas y culturas, como la fiesta de invierno (Saturnalia), las celebraciones dionisíacas griegas y romanas (Bacanales), las fiestas andinas prehispánicas y las culturas afroamericanas. Algunos autores consideran que para la sociedad rural, fuertemente estructurada por el cristianismo, el tiempo de «carnestolendas» ofrecía mascaradas rituales de raíz pagana y un lapso de permisividad que se oponía a la represión de la sexualidad y a la severa formalidad litúrgica de la Cuaresma.
A comienzos de la Edad Media la Iglesia Católica propuso una etimología de carnaval: del latín vulgar carne-levare, que significa 'abandonar la carne' (lo cual justamente era la prescripción obligatoria para todo el pueblo durante todos los viernes de la Cuaresma). Pero no se ha podido explicar el porqué.

Posteriormente surgió otra etimología que es la que actualmente se maneja en el ámbito popular: la palabra italiana carnevale, que significaba la época durante la que se podía comer.
Pero a fines del siglo XX varios autores comenzaron a sospechar el origen pagano del nombre. Carna es la diosa Celta de las habas y el tocino. También estaría conectada con fiestas indoeuropeas, dedicadas al dios Karna (que en el Mahabhárata aparece como un ser humano, hermano mayor de los Pándavas, hijo del dios del Sol y la reina Kuntí). Algunas personas creen que la palabra carnaval hace referencia a una supuesta antigua tradición pagana en la que se ofrecía carne al dios Baal (carna-baal) en una fiesta de donde todo vale.

Actualmente el carnaval se ha convertido en una fiesta popular de carácter lúdico. El término «Carnaval» se aplica también a otros tipos de festividades que no están situadas en el tiempo de las calestolentas (tiempo previo a la cuaresma), pero que comparten elementos similares, tales como los desfiles de comparsas.

Argentina

En la Argentina la celebración del carnaval tiene una gran importancia y se realiza de maneras diversas de acuerdo a la región geográfica cultural.

En la región noroeste andina, las celebraciones de carnaval señalan la subsistencia de antiguas tradiciones indígenas pertenecientes a la civilización andina prehispánica. Los hitos más importantes dentro de las ceremonias de carnaval son el desentierro y el entierro del diablo de carnaval. El carnavalito, es un estilo folclórico centenario, desarrollado precisamente para las celebraciones.

En la región mesopotámica, limítrofe con Brasil y Uruguay, existen importantes celebraciones en un estilo similar al carnaval brasileño, aunque con elementos de la cultura rioplatense como el candombe. La más conocida de ellas es la que tiene su centro en la provincia de Entre Rios, más específicamente en la ciudad de Gualeguaychu. Allí se realiza el carnaval mas importante del país, por esa razón esa ciudad ostenta el título de Capital Nacional del Carnaval por majestuosidad, cantidad de integrantes que desfilan y un corsodromo similar al de brasil con capacidad para 60.000 personas .

También la ciudad de Corrientes, en la provincia de Corrientes, ofrece desfiles de carrozas y comparsas.

Oruro

El Carnaval de Oruro es la máxima representación del Carnaval de Bolivia, acontecimiento popular celebrada cada año en la ciudad boliviana de Oruro, y una de las más grandes manifestaciones de arte popular y cultura tradicional andina. El año 2001 la Unesco declaró al carnaval como Obra Maestra del Patrimonio Oral e Intangible de la Humanidad. La celebración se realiza en la ciudad de Oruro, la cual es considerada la capital del Folklore de Bolivia. Esta fiesta, principalmente dura tres días, generalmente viernes (verbena): que es una convivencia de ritmos folclóricos y donde la gente se encuentra en conciertos en la plaza principal 10 de febrero, ésta empieza a las ocho de la noche aproximadamente y sigue hasta la mañana siguiente. Sábado: Que es la entrada folclórica, donde participan mas de 100 grupos vestidos de formas diferentes y coloridos, acompañados por danzas alegres y vestimentas muy sensuales, que son tocadas por bandas de musica al vivo y sin micrófonos; esta acaba en la iglesia cuando se reunen todas las bandas y tocan en el alba que dura hasta el día domingo: donde es la fiesta: cuando los danzarines demuestran toda su alegria ch`allados, el dia anterior hasta el dia lunes donde siguen con fiestas.
La principal característica de este Carnaval, es su relación íntima ligada a la religiosidad, manifestada a través de la veneración de la imagen de la Virgen del "Socavón (Vírgen de la Candelaria).

Tarija

El carnaval de Tarija es otro de los carnavales mas importantes de Bolivia. Esta fiesta comienza con un mes de anticipación, con recorridos de comparsas y banda por las calles.

Faltando dos semanas para el carnaval, el día jueves hombres y mujeres transitan las calles de la ciudad con hermosas tortas adornadas con fruta de la temporada, dulces, flores, queso, etc; todo esto en una gran canasta con globos y serpentinas. Se trata de la fiesta de "Comadres y Compadres". El que recibe el presente se convierte en compadre o comadre y se compromete a acompañar en las buenas y en las malas a su nuevo pariente espiritual. Por las noches las mujeres de Tarija salen a la plaza a bailar con sus tortas.

Las comparsas tienen la costumbre de llevar a la plaza al diablo enjaulado, donde es liberado con lo que se da por iniciada la fiesta.

Tarija es famosa por la belleza de sus mujeres. Entre ellas se realiza la elección de la Reina de Carnaval. Los habitantes organizan el Corso Infantil y el Corso de Mayores, el cual es lleno de colorido y alegría y se ve complementado con el Concurso Folklórico Campesino de Música y Baile. Posteriormente comienza el gran baile popular en la plaza principal en el que participan comparsas, pueblo y visitantes. Es interesante ir a los pueblos porque cada uno presenta sus manifestaciones folklóricas.

A comienzos de cuaresma, se entierra al diablo en una fiesta especial, evento único en que los tarijeños usan máscara; ésta es elaborada con cuernos de oveja, chivo o vaca imitando al diablo. Mientras un hombre abre el paso para el diablo, detrás va la "negra santera" pintando la cara de los curiosos con hollín. A ellos les sigue el diablo con los grupos carnavaleros.

Santa Cruz

En Santa Cruz se destacan principalmente los desfiles y corsos carnavaleros. La gente tiene la tradición de mojarse con agua, ya sea mediante baldes con agua, chisguetes (pistolas con agua, pintura o espuma).
Es un gran carnaval que se celebra con mucha alegría en niños y jóvenes, aunque también algunos adultos. Cada año se escoge a la comparsa coronadora que corona a la reina del carnaval cruceño. En este carnaval se demuestra lo típico de Santa Cruz, desde sus tradiciones hasta lo más nuevo y variable del año.

Ecuador

En Ecuador por su alta población indígena en la sierra, se celebran los carnavales con agua, espuma de carnaval, talco o maicena para pintarse la cara o cualquier tipo de tintura del tipo vegetal. El lugar mas conocido de esta celebración es la ciudad de Guaranda, capital de la Provincia Bolívar, a 4 horas de la capital del Ecuador, a donde llegan desde la misma sierra y la costa ecuatoriana por encontrarse en medio del Ecuador. Se bebe el típico licor de la zona, el "pájaro azul". Existe un desfile de carros alegóricos, identificando diversos temas y la mayoría de comparsas baila el tradicional himno carnavalero "El carnaval de Guaranda". Una celebración diferente es la que se lleva a cabo en Ambato, tierra de las flores y de las frutas, donde la característica, a diferencia del resto del Ecuador, son las comparsas culturales, donde se lleva a cabo el desfile de carros alegóricos, decorados con flores y frutas de la zona y llegan delegaciones de otros países para desfilar en él.

Brasil

En Brasil se celebra el carnaval más extendido y famoso del mundo. Los centros más importantes son las ciudades de Salvador de Bahía, Río de Janeiro y São Paulo. En el carnaval brasileño desempeñan un rol central las escolas de samba y los blocos, conjuntos muy elaborados de danza, música y canto, que desfilan por las calles (en Salvador) y en "sambódromos" (en São Paulo y Río De Janeiro). Las músicas del carnaval es el samba y el axé. Grandes cantantes estuvieron presentes en sus blocos en Salvador, como Ivete Sangalo, Daniela Mercury, Olodum, Cláudia Leitte, Filhos de Gandhi, etc. En Río de Janeiro y São Paulo son los más destacado las escuelas de samba, entre ellas están: En Río: Mangueira, Portela, Salgueiro, Beija-Flor, União da Ilha, Mocidade Independente, etc. São Paulo: Vai-Vai, Nenê, Camisa, Rosas de Ouro, Mocidade Alegre, Peruche, Leandro de Itaquera, entre otras.

Colombia

En Colombia se realizan varios carnavales, entre los que se destacan:
El Carnaval de Barranquilla, declarado Patrimonio Oral e Inmaterial de la Humanidad por la Unesco en 2003 y Patrimonio Cultural de la Nación en 2001 por el Congreso de Colombia. La fiesta inicia con la Lectura del Bando, lo que da inicio a la temporada de «precarnavales», durante la cual se celebran diversas actividades como la Coronación de la Reina y la Guacherna, preparatorias para el Carnaval, el cual se celebra los 4 días de previos al Miércoles de Ceniza. Los carnavales inician con un gran desfile de carrozas y disfraces conocido como la Batalla de Flores (además de otras actividades el Sábado de Carnaval tales como el Carnaval del Sur, desfile por la calle 17 y luego por el Boulevard del barrio Simón Bolívar y el Carnaval de Antano, desfile que baja por la carrera 44); el Domingo de Carnaval el acto central es la Gran Parada de Tradición (desfile de disfraces tradicionales); prosigue el Lunes de Carnaval con la Gran Parada de Fantasía (desfile de disfraces de fantasía) y el Festival de Orquestas (competencia de grupos musicales por el Congo de Oro); el Carnaval finaliza el martes con un desfile por la calle 84 y luego con la muerte de Joselito (personaje que representa el fin del Carnaval) y el concurso de letanías. La festividad congrega tradiciones indígenas, africanas y europeas traídas desde el descubrimiento de América. Igualmente se dan cita los ritmos más representativos de la Costa Caribe colombiana, como la cumbia, la puya, el mapalé, el garabato y el jalao.

También se celebra en Colombia el Carnaval de Negros y Blancos, declarado Patrimonio Cultural de la Nación en 2001 por el Congreso de Colombia. Es una de las fiestas más antiguas de la región sur colombiana, cuya versión moderna se remonta alrededor de 1912; se celebra principalmente en la ciudad de Pasto, aunque también tiene su expresión en otras poblaciones del departamento de Nariño, entre el 2 de enero y 7 de enero. Su principal diferencia con otras festividades en la región latinoamericana es que esta celebración es de carácter festivo enfocado en la expresión artística del pastuso. Su identidad es bastante compleja de describir, ya que mezcla una serie de tradiciones locales, como la Llegada de la Familia Catañeda (4 de enero), con sucesos históricos en la región que forjaron una fiesta que exalta la libertad del pueblo afroamericano celebrada el día de los Negros (5 de enero) y una variación de la celebración del Día de Reyes o día de los Blancos (6 de enero), que es cuando se presentan las monumentales carrozas en el Desfile Magno, donde algunos de sus motivos se inspiran en la identidad indígena de la región. Por eso se considera que esta fiesta resalta la libre convivencia de razas en América Latina. En el 2008 fue declarado como patrimonio mundial de la humanidad por la UNESCO.

El Carnaval de Bogotá fue fundado en 2005 como una respuesta de la capital colombiana ante las propuestas culturales del resto del país, promovida por el alcalde Luis Eduardo Garzón y se celebra alrededor del 6 de agosto, fecha de fundación de la ciudad.

Informacón recaudada de diversos enlaces de wikipedia.



Conclusiones

El candombe es un ritmo de origen afro, pero con una evolución propia esencialmente americana. Emparentado con las distintas músicas de origen afro de Brasil y Argentina así como del resto de latinoamerica ha desarrollado una identidad propia que lo distingue sin embargo de las demás. Su fuerte vinculación con el carnaval uruguayo, menos espectacular que el brasileño pero cada vez más con participación de todo el ambiente cultural vinculado no solo a la música sino también al teatro, han permitido una evolución sin dudas particular y diferenciada. Desde tempranas épocas Juan Figari dedicó parte importante de su producción plástica a la raza negra y en particular al candombe, temática llevada a nuestros días, con estilo diferente por Carlos Páez Vilaró. En síntesis, el candombe es hoy por hoy una expresión popular artística que trasciende la música, pasando por la danza y representación escénica, con fuerte participación popular.